À la Mostra de Venise de cette année, il n’y avait pas plus grand sujet de discussion que The Painted Bird. Le nouveau film du réalisateur tchèque Václav Marhoul est une adaptation en noir et blanc du roman de 1965 du romancier américano-polonais Jerzy Kosiński, qui décrit la Deuxième Guerre mondiale du point de vue d'un jeune garçon juif en voyage à travers les horreurs de Nazi. Europe occupée. Sa projection dans la presse et dans l'industrie a inspiré des débrayages à trois occasions différentes, assurant au film une certaine période de notoriété. Une semaine plus tard, lors de la première nord-américaine de ce film au Festival du Film de Toronto, cette série a été suivie d’autres débrayages.

Certains, qui pourraient braver Udo Kier comme un meunier sadique qui extorque les yeux d’un homme, ne peuvent pas supporter le moment qu’un promiscuous Une bande de ses camarades villageois s'est lancée dans une bataille meurtrière. Et puis il y avait ceux pour qui l'attaque brutale de cosaque était la paille finale.

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Quel que soit le moment de la sortie, s'agissait-il d'une occasion à célébrer pour le monde du cinéma? Après tout, cela laissait entendre que le cinéma avait encore le pouvoir de choquer – une chose que beaucoup commençaient à douter

La critique de The Painted Bird par The Xing Brooks pour The Guardian a capturé le sentiment de surprise qu'un film puisse encore faire partir les gens. une projection à un festival de film. «Un jour, ils vont faire un film sur la première projection publique de The Painted Bird…», a-t-il commencé.

Cependant, Marhoul réfute les affirmations selon lesquelles il avait été choqué: “Je comprends que certaines personnes ont quitté le cinéma”, a-t-il déclaré à BBC Culture. “En tant que réalisateur, j'ai réalisé ce film sans aucun compromis, mais je ne pense pas il y a de la violence explicite. ”

Il souligne qu'en réalité, la violence dont on parle beaucoup n'est pas explicite: tout est dans le pouvoir de la suggestion. «Quand le meunier met la cuillère sur l'oeil, la voyez-vous? Non, dit-il. «Les scènes explicites ne sont que dans votre cerveau, pas dans mon film. Ce film, en termes de violence et de brutalité, est non seulement très décent, mais également véridique. “

Le pouvoir de la suggestion

Le réalisateur affirme que les débrayages témoignent de la réelle puissance émotionnelle du film – c'est parce que le public reconnaître la réalité et l'honnêteté dans son film qu'ils réagissent si violemment. Il contraste son approche de la violence pop de Quentin Tarantino, dont les films, selon lui, sont beaucoup plus graphiques. “Si vous regardez un film de Tarantino, les tripes se répandent et vous allez bien parce que c'est un conte de fée”, dit-il. “Ensuite, vous regardez The Painted Bird, qui dépeint des incidents qui, selon vous, pourraient survenir, et vous allez être touché.”

En effet, Marhoul affirme que c'est uniquement par le pouvoir de la suggestion que vous pouvez réellement choquer le public. Ce n’est pas ce que le public voit qui est important, mais ce qu’ils imaginent.

Quelques semaines auparavant, le Festival du film de Locarno avait présenté en avant-première mondiale un autre film qui avait choqué le public pour différentes raisons: le premier long métrage du cinéaste hollandais Halina Reijn, Instinct, dans lequel l'actrice Carice van Houten de Game of Thrones incarnerait un psychologue infatué. avec un délinquant sexuel, elle traite dans une prison.

Les gens m'ont conseillé de ne pas montrer le pénis. Maintenant, je me demande ce que diable – où sont mes pénis? Halina Reijn

Une femme au pouvoir amoureuse d'un violeur est un sujet tabou. Le film, qui sera présenté au prochain London Film Festival, suggère que quelque chose d'inhérent aux humains les pousse à rechercher le danger. La violence dans le film est à la fois physique et mentale.

Comme Marhoul, Reijn n’a pas voulu choquer les gens, elle dit «aimer les pièces de théâtre, les films ou les peintures qui provoquent quelque chose. Je suis parfois un peu choqué par Instinct moi-même », poursuit-elle. «Cette histoire m'a intriguée à cause d'éléments liés à la sexualité et au pouvoir.»

En tant que réalisatrice, Reijn voulait également récupérer le pouvoir de la provocation, dit-elle. elle a le sentiment que l'histoire cinématographique est pleine d'hommes réalisant la transgression, et elle souhaite maintenant changer le scénario et pousser les boutons du public d'une manière différente. Dans le cadre de cette subversion, elle a décidé qu'il n'y aurait pas de nudité féminine dans le film, seulement de la nudité masculine. «Les gens m'ont conseillé de ne pas montrer le pénis. Maintenant, je regarde Euphoria sur HBO et Midsommar en train de penser à quoi diable, où sont mes pénis? »Elle rit. L'élément choquant de son travail ne vient pas d'être explicite – mais de normes ambitieuses.

Il est clair que Marhoul et Reijn considèrent tous les deux que le public est choquant, que ce soit intentionnellement ou non, comme un exploit – un signe qu'ils lancent un défi. publics et poser les bonnes questions.

Un état de mutation

Le problème en essayant de choquer est que ce qui est choquant et tabou est en constante mutation. Pour prendre l'exemple de la nudité masculine, il a traditionnellement semblé plus choquant de voir les organes génitaux masculins que féminins à l'écran en raison de sa rareté comparée. Mais comme il est de plus en plus présent à la télévision et au cinéma, il ne semble déjà plus tabou

Le cinéma reflète des changements dans notre conscience publique et, partant, la nature de la transgression. Toutefois, pour choquer, les administrateurs doivent simplement repousser leurs limites et devenir de plus en plus explicites. Bien entendu, les limites peuvent changer pour que des choses qui semblaient bien dans le passé deviennent maintenant choquantes.

Ce qui choque le public d’aujourd’hui n’a pas souvent à voir avec ce qui apparaît à l’écran – au même titre que la pensée ou l’idéologie sous-jacente.

Pour prendre un exemple récent tiré du petit écran, Netflix a enlevé en juillet une scène de suicide de trois minutes de la fin de la saison à la suite d'un tollé général soutenu. Hannah (Katherine Langford), son personnage principal, se suicidait dans une baignoire. Étrangement, la décision de changer de scène est venue deux ans après la première diffusion de l'épisode et est devenue disponible sur le service.

Cependant, le problème n'était pas le côté graphique de la scène en lui-même – après tout, il y en a beaucoup scènes de gore se trouvent sur Netflix. Il s’agissait des préoccupations spécifiques suscitées par la description du suicide – et des suicides par imitation que toute description détaillée pourrait inspirer.

Lorsque la scène a été supprimée, le showrunner Brian Yorkey a publié une déclaration dans laquelle il déclarait: «Dr Christine Moutier, de la Fondation américaine pour la prévention du suicide, nous a fait part de son inquiétude et a convenu avec Netflix de la rééditer. Aucune scène n’est plus importante que la vie de la série et son message selon lequel nous devons mieux nous occuper les uns des autres. Nous pensons que ce montage aidera la série à faire le plus de bien possible pour la plupart des gens tout en atténuant les risques pour les jeunes téléspectateurs particulièrement vulnérables. “

En réalité, ce qui choque le public aujourd'hui n'a pas souvent à voir avec ce qui apparaît à l'écran – autant que la pensée ou l'idéologie derrière elle. Andrew Simpson, directeur de la programmation cinématographique chez Tyneside Cinema à Newcastle, a déclaré: «Nous recevons rarement des plaintes concernant le contenu des films que nous montrons. Lorsque nous recevons des plaintes, le client se sent plutôt offensé par une idée du film, une représentation d'un personnage ou quelque chose qui offense son identité. “

Cela marque un grand changement radical dans ce que l'on peut comprendre «cinéma de choc».

Les spectateurs qui sortent de films font partie de l'expérience cinématographique depuis la toute première projection publique d'un film arrivant à la gare de La Ciotat, en 1896, qui était si réaliste a apparemment fait fuir le cinéma.

Légende urbaine ou non, l’histoire montre le pouvoir fondamental du cinéma en tant qu’expérience viscérale et réelle qui, au mieux, peut induire les spectateurs en erreur en leur faisant croire que les images qu’ils regardent ont un impact. au-delà de l'écran.

L'histoire du 'cinéma de choc'

Par conséquent, provoquer une réaction est devenu l'un des paramètres permettant de juger de la qualité du cinéma. Dès le début, les cinéastes ont commencé à capturer des images qui brisaient les tabous de la société. Le cinéma a créé un scandale moral.

La réaction à ce scandale a été de réglementer les images acceptables pour le grand public.

Aux États-Unis, le Code de production de films de 1930, ou code dit de Hays, énonçait des directives pour un contenu acceptable pour les films produits. chez soi.

Pendant deux décennies, les directives ont été rigoureusement appliquées. Mais après la Seconde Guerre mondiale, des réalisateurs tels que Otto Preminger ont commencé à tester les limites. Preminger a posé des problèmes en utilisant les mots «vierge» et «enceinte» dans sa comédie The Moon is Blue de 1953 et en illustrant une dépendance à l'héroïne dans The Man with the Golden Arm (1955).

Face à ces défis posés à son autorité, l'application du code de Hays a commencé à décliner. Des cinéastes opérant en dehors du grand public, tels que Kenneth Anger, Jonas Mekas et Jack Smith, ont réalisé des films de contre-culture qualifiés de films «underground», qui semblaient conçus pour contrarier

Dans les années 1970, les auteurs européens étaient déterminés à détruire toutes les frontières du goût

Pendant ce temps, l'Europe testait encore plus loin les limites de ce qui était acceptable. Les lois européennes sur l'obscénité ont été libéralisées à la fin des années 60 et au début des années 70, mais les auteurs étaient déterminés à détruire toutes les frontières implicites du goût, pour des motifs résolument différents. Walerian Borowczyk a dirigé Emmanuelle '77 apparemment pour prurience, tandis que Le dernier tango à Paris de Bernardo Bertolucci (1972) et Dans le royaume des sens d'Oshima (1976) semblaient être engagés dans une mission plus résolument artistique de briser les tabous sexuels.

In En 1972, au Royaume-Uni, la presse et des avocats ont associé A-Clockwork Orange de Stanley Kubrick à des crimes réels. Le film avait été passé non coupé par la censure. Néanmoins, Kubrick a demandé à Warner Bros de retirer le film des cinémas britanniques. Au même moment, il publia une déclaration niant le pouvoir de l'art de faire agir les gens au-delà de leur nature.

Au cours des années 70, des cinéastes vénérés comme Jean-Luc Godard (Numéro Deux), Pier Paolo Pasolini (Salo) et Miklós Jancsó (vices privés et vertus publiques) ont également été condamnés pour leur contenu et leurs œuvres ont été interdites. Ce que leurs films partageaient était une préoccupation liée à l'obsession et à l'intersection du pouvoir et des relations sexuelles.

De retour aux États-Unis, en 1968, le Code Hays a été remplacé par un nouveau système de notation à la suite de la violente Bonnie, une violence nihilistiquement violente d'Arthur Penn et Clyde. Un an plus tard, le film Easy Rider sur les drogues sexuelles et la drogue du rock'n'roll de Denis Hopper a inauguré la nouvelle ère hollywoodienne. Les tabous éclatants ont commencé à égaler le box-office et les Oscars.

Un autre mouvement de film underground, The Cinema of Transgression, a suivi. Il était centré sur des films humoristiques conçus de manière très consciente pour le choc; son moment décisif, et encore l'un des moments les plus choquants du cinéma, est apparu dans Pink Flamingos (1972) de John Waters, lorsque l'acteur travesti, Harris Glenn Miller, mieux connu sous le nom de Divine, mangeait des excréments de chien à l'écran.

Cependant, en 1980, alors que Jaws et Star Wars donnaient naissance à un film grand public avec le film à succès, le cinéma sous choc semblait s'interrompre brusquement.

Ce n'est qu'au milieu des années 90 que le cinéma a réellement pris trouvé un désir de choquer à nouveau. Les cinéastes semblaient soudain être en concurrence pour surpasser la perversité des uns et des autres: Crash (1996) de David Cronenberg, une adaptation du roman de JG Ballard, voyait les gens acquérir un plaisir érotique après un accident de voiture. Lars von Trier, auteur danois, a réalisé une série de films troublants, dont le point culminant est celui de The Idiots (1998), qui met en scène une orgie composée de personnes prétendant être atteintes de maladie mentale. The Piano Teacher (2001), de Michael Haneke, associe le sexe et l'auto-mutilation.

La fin de l'indignation?

En 2002, Gaspar Noé a filmé à Cannes Irrversible, un thriller mettant en scène une scène de viol de neuf minutes Festival. Il y avait des débrayages de masse et de l'indignation. Un an plus tard, The Brown Bunny de Vincent Gallo a choqué les festivaliers en raison d'une scène de fellation non simulée mettant en scène l'actrice Chloë Sevigny et le réalisateur et vedette Gallo.

Aucun film n'a depuis suscité un tel choc collectif. Irreversible est maintenant considéré comme un classique du cinéma. Le réalisateur est même venu cette année au Festival du film de Venise avec une nouvelle version du film, intitulée The Straight Cut, où l'action précédemment inversée se déroule dans un ordre chronologique, de sorte qu'une histoire qui a commencé avec un anti-héros prenant une revanche horrible pour l'agression sexuelle de son épouse (Monica Bellucci) se termine maintenant avec cette scène.

Le cinéma narratif est devenu si doux de nos jours. La chose la plus choquante aujourd’hui est la nouvelle. Le monde devient psychotique – Gaspar Noé

À bien des égards, il est encore plus brutal que la version originale. Maintenant, cela commence dans un lieu de bonheur et se termine dans le chaos et le désespoir. La scène du viol est toujours aussi brutale, d'autant plus que nous connaissons maintenant le personnage de Bellucci avant qu'elle ne soit bloquée dans un tunnel.

S'adressant à Venise, Noé, d'origine argentine, a déclaré à BBC Culture qu'il pensait qu'il était presque impossible de choquer le public aujourd'hui, tant la prolifération d'images inquiétantes disponibles sur Internet est impressionnante. L'Internet. «Tout le monde sait que les acteurs ne se font pas mal sur le plateau et qu'il y a une équipe derrière la caméra. Le cinéma narratif est devenu si doux de nos jours. La chose la plus choquante aujourd’hui est la nouvelle. Le monde est en train de devenir psychotique. »

Le genre d'humour que j'ai eu est aujourd'hui l'humour américain. C’est normal – John Waters

Un autre exemple frappant de la nature transitoire de la transgression a eu lieu au Festival du film de Locarno de cette année, lorsque John Waters a reçu le plus grand honneur du festival, le prix de l’œuvre à vie du manoir Pardo d’onore. C’était la validation ultime de l’établissement d’un artiste qui était jadis un grand paria.

Waters est un homme dont le surnom inclut les surnommés «Pervers du peuple» et «Le pape des déchets». «Tous les‘ films souterrains ’ont causé des problèmes et les réalisateurs ont été arrêtés, se souvient-il.

Maintenant, beaucoup de ces films se sentent pittoresques et kitsch. Il est difficile d’imaginer que Waters tourne aujourd’hui un film qui pourrait causer le même mal-être, bien qu’il proteste contre le fait que ses premières œuvres ont encore un effet choc pour les nouveaux venus. «Je ne sais pas s'ils sont aussi pittoresques. Les flamants roses fonctionnent toujours. Je pense que si vous avez 20 ans et que vous le voyez pour la première fois, cela ne s'est pas beaucoup adouci. »Il admet néanmoins que sa sensibilité est plus répandue ces temps-ci. “Le genre d'humour que j'ai fait est maintenant l'humour américain. C'est normal. ”

Si Easy Riders, Irreversible et Pink Flamingos ne suscitent plus l'indignation, il existe l'un des« films de choc »susmentionnés de l'ancien film qui est encore plus choquant que lors de sa première création – et cela en dit long sur nos valeurs changeantes. C'est le lapin brun.

Ce n'était pas simplement la nature de la scène graphique qui offensait à l'époque. Les téléspectateurs s'inquiétaient également du fait que Sévigny devait se soumettre si physiquement à la volonté du réalisateur, ainsi que du fait que la nature non simulée de l'acte sexuel dépassait sans doute la ligne qui distingue le cinéma de la pornographie.

Le lapin brun n'est pas le contenu sexuel en soi. C’est le rapport de force impliqué. Le potentiel d'exploitation réelle mais invisible en coulisse est devenu, à juste titre, beaucoup plus choquant pour nous que tout ce que nous pouvons voir à l'écran.

Là où la notoriété d'autres films se sent de son temps, l'indignation The Brown Bunny causée se sent comme un précurseur à aujourd'hui. De la prise de conscience croissante de l'exploitation en coulisse dans l'industrie, à la montée des politiques d'identité et aux débats sur la représentation, le choc et l'infraction au cinéma sont maintenant moins viscéraux et plus idéologiques.

Par exemple, Tarantino a été attaqué pour avoir l'utilisation du N-mot dans The Hateful Eight alors que la violence dans ses films est perçue comme de plus en plus controversée, en particulier celle qui est destinée aux femmes.

Pendant ce temps, les décisions de casting engagent régulièrement des tempêtes pour la représentation – de Emma Stone et Scarlett Johansson à l'asiatique. Les personnages d'Aloha et de Ghost in the Shell de Johansson ont été initialement choisis pour être transsexuels dans le film aujourd'hui reporté Rub & Tug.

Les vieux films continuent d'inspirer de nouveaux chocs de génération en génération. Ace Ventura: Pet Detective semble maintenant transphobe à cause de la façon dont il transforme un personnage féminin en une figure d'humour monstrueux, et Dumbo ne peut pas être regardé sans chialer devant la décision de Disney de présenter des corneilles qui parlent de jive – le chef qui s'appelle ' Jim Crow '.

Le concept de choc au cinéma a changé – parce que c'est ce que le public ressent, plutôt que ce qu'il voit, qui gouverne ce qui cause l'indignation. C'est pourquoi les cinéastes peuvent être perversement heureux de voir une réception aussi extrême pour un film comme The Painted Bird: au moins, cela montre qu'il existe encore une manière plus édifiante pour le cinéma de choquer le public – à travers l'image même.

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