Il est impossible d’imaginer Off-Broadway au cours du dernier quart de siècle sans les contributions de Melanie Joseph du Foundry Theatre et de Tim Sanford du Playwrights Horizons. Les gérants artistiques à long terme de ces organisations ont décidé d'aller de l'avant après avoir considérablement enrichi notre théâtre contemporain de leur leadership visionnaire.

The Foundry, que Joseph, né au Canada, a fermé cette année, a lancé «And God Created Great» de Rinde Eckert. Whales »et« The Brothers Size »de Tarell Alvin McCraney, ainsi que des œuvres défiant le genre de David Hancock, Carl Hancock Rux et David Greenspan. Les pièces annuelles de Thanksgiving Free Range de la compagnie comprenaient le premier coup de couteau de Heidi Schreck à «What the Constitution Means to Me». Pendant le mandat de Sanford en tant que directeur artistique, Playwrights Horizons a présenté trois pièces qui ont remporté le prix Pulitzer: «The Flick» d'Annie Baker «Clybourne Park» de Bruce Norris et «Je suis ma propre épouse» de Doug Wright.

Mais ce n'est qu'une partie des héritages que Joseph et Sanford laissent derrière eux alors qu'ils envisagent leurs prochains actes. Fondée par Joseph en 1994, la Fonderie, qui a produit des offres artistiques, des programmes communautaires et des conférences activistes sur des questions allant du génocide à l'inégalité économique, a créé un modèle qui a prouvé qu'une compagnie de théâtre pouvait examiner sa relation au monde tout en respectant les normes esthétiques les plus rigoureuses. . Playwrights Horizons a été tout simplement le creuset le plus important pour l'écriture dramatique contemporaine en Amérique.

En novembre, j'ai déjeuné avec Joseph dans son appartement de Chelsea, puis j'ai sauté dans le métro pour rencontrer Sanford dans son théâtre de West 42nd Street. Je les connais depuis mes jours au Village Voice et en tant que juge aux Obie Awards, mais je ne suis resté en contact que grâce au travail qui m'a régulièrement ramené à New York, dans ces moments fugitifs loin du brouhaha de Broadway.

Ma mission était simple: percer les secrets de leur épanouissement artistique et repartir avec une meilleure compréhension de ce qu'il faut pour diriger un théâtre avec conviction, intégrité et goût irréprochable. The Foundry, qui n'a jamais eu de bâtiment permanent, et Playwrights Horizons, qui opère à partir d'un élégant complexe en deux étapes, ne sont pas des organisations comparables. Mais Joseph et Sanford ont quelque chose en commun: un œil clairvoyant pour les talents novateurs et un don rare pour l'incuber.

Joseph, qui m'a accueilli avec une chaleureuse accolade, rayonnant à sa manière mère-terre-néo-marxiste, a annoncé la fin de son entreprise d'une manière caractéristique. Elle a envoyé des invitations à une fête, “une très joyeuse fête d'anniversaire, une soirée de clôture, une soirée d'ouverture, un sillage irlandais, une danse jusqu'à ce que vous tombiez bacchanale – pour dire au revoir au Foundry Theatre.”

L'événement était également un lancement de livre pour “Un moment sur l'horloge du monde”, l'anthologie clarifiant les valeurs éditée par Joseph et David Bruin qui présente des essais par des intellectuels, des critiques, des producteurs et des artistes avec une profonde intimité avec ce révolutionnaire entreprise. Cornel West, l'un des membres fondateurs du conseil d'administration, explique dans son avant-propos le cadre spirituel qui a distingué la fonderie tout au long de ses 25 ans. La critique Alisa Solomon, dans un essai de témoignage magnifique, illumine «l'esprit artistique interrogateur» du travail de la Fonderie, qui exigeait «une mesure extraordinaire de complicité critique» des spectateurs tout en testant la ligne entre l'art et le monde qui l'entoure .

À partir de la première production de la compagnie, “La Convention de Cartographie”, la brillante exposition d'exposition d'art faux de Hancock, Joseph a créé un air d'intrigue autour des offres de la Fonderie. L'invitation au public était considérée comme moins un outil de marketing qu'un gambit théâtral – un prélude de l'engagement actif que les amateurs de théâtre avaient en réserve. “

” Je savais depuis le début que je n'allais jamais faire de saison “, a déclaré Joseph alors que nous plongions dans la délicieuse frittata qu'elle préparait. «Je savais aussi que j'avais toujours aimé l'idée d'inviter des gens à un événement spécial. Le cirque arrive en ville. Qu'il s'agisse d'un dialogue, d'un spectacle ou d'un dîner communautaire. »

La Fonderie était continuellement en quête de découvrir son but, mais elle était guidée par des préceptes. Avant tout, Joseph voulait créer une œuvre qui n’était pas disponible ailleurs. Elle a fourni aux artistes un espace dans lequel ils pouvaient rêver d'une manière non autorisée dans des contextes plus orthodoxes. Le travail qui vous a dit «ce que vous pensez déjà savoir» était pour d'autres théâtres. Elle voulait une nouveauté expérientielle, comme en témoigne «La Provenance de la beauté», la tournée théâtrale en bus dans le South Bronx qu'elle a conçue avec la poète Claudia Rankine qui a donné la voix à l'arrondissement lui-même.

Sans avoir à programmer de manière traditionnelle, Joseph pouvait permettre aux artistes de prendre le temps dont ils avaient besoin, même si cela signifiait des écarts plus importants que d'habitude entre les productions. La tournée a étendu la visibilité de la fonderie. Et les offres de justice sociale, comme «A Conversation on Hope», «This Changes Everything» (un dialogue sur la justice climatique) ou leur série «Money Talks», faisaient tout aussi partie intégrante de l'identité d'une entreprise qui était elle-même une œuvre. de l'art, une incarnation vivante de la vision créative.

Melanie Joseph voulait avant tout créer une œuvre qui n'était pas disponible ailleurs.

Joseph reconnaît que la gestion du théâtre doit refléter sa philosophie artistique. Elle a développé la Fonderie comme «un organisme plutôt qu'une organisation», expérimentant des structures de leadership partagées et résistant aux collectes de fonds des célébrités favorisées par un conseil d'administration puissant.

“Pour une petite entreprise radicale comme la mienne, il était assez impossible d'avoir une caisse d'argent”, a-t-elle déclaré. «Vous avez besoin de gens qui connaissent des gens qui ont de l'argent, et aucun de mes gens n'a jamais connu de gens qui avaient de l'argent.»

Alors, comment la Fonderie a-t-elle survécu pendant 25 ans? Joseph a réfléchi à la question en préparant une autre tasse de café.

“Nous n'avons pas fait plus que ce que nous pouvions”, a-t-elle déclaré. «Nous frappons durement les fondations parce qu’elles n’existent pas si nous n’existons pas. Leur mission est de donner de l'argent, et je l'ai pris et utilisé mieux qu'ils ne l'avaient imaginé. Je n'ai jamais eu de déficit en 25 ans. Je marchais avec une planche à sandwich proclamant ce succès, car cela signifiait que je ne devais de l'argent à personne. Les gens avec qui je travaillais avaient besoin de cet argent. Comment pourrais-je ne pas payer un artiste? »

Au cours des dernières années, la Fonderie a pratiqué une transparence inhabituelle dans les budgets de publication des spectacles des programmes. Joseph est particulièrement fier que la majeure partie de l'argent soit allée aux gens plutôt qu'aux prêts hypothécaires ou aux campagnes de marketing. Et c'est cette féroce préoccupation pour la vie matérielle des créateurs qui a guidé sa prise de décision. Elle a reconnu qu'elle n'aurait jamais pu créer la fonderie sans son appartement à loyer stabilisé. Elle pense que parler des factures, de l'assurance maladie et du logement est nécessaire pour que les artistes soient honnêtes dans leurs représentations du monde.

En résistant à l'impératif capitaliste de croître, la Fonderie a choisi d'approfondir. L'entreprise aurait-elle pu faire plus? Probablement oui, dit-elle, mais à quel prix? Bien qu'elle ait récemment eu 64 ans et ne montre aucun signe de ralentissement, elle a décidé de fermer la fonderie en partie parce que le modèle intersectionnel qu'elle a créé de l'art, des dialogues et de l'engagement communautaire a été plus largement adopté par d'autres théâtres.

Elle a également fait allusion à une certaine lassitude du «complexe industriel à but non lucratif». Sauter à travers les cercles des demandes de subvention pourrait fatiguer n'importe qui. Mais plus que tout, son intuition lui a dit qu'il était temps. Elle se concentre désormais sur le développement d'une nouvelle œuvre avec le réalisateur brésilien Renato Rocha qui arrive à la Brooklyn Academy of Music ainsi que sur un certain nombre de ses propres projets d'écriture.

La récente effusion d'amour et d'appréciation de la communauté hors Broadway l'a profondément touchée, mais elle a avoué qu'elle se sentait souvent seule à tracer un chemin indépendant. Elle ne se plaignait pas, étant simplement honnête au sujet des réalités. Quand je lui ai dit qu'elle avait réussi l'impossible, elle a essuyé une larme et a dit: «Oui».

«Les legs des théâtres sont souvent les artistes qu'ils ont déchaînés sur le monde ou quels sont les fabuleux joue, mais pour moi, ce n'est qu'une partie de notre héritage », a-t-elle déclaré. «Vous avez commencé par demander comment diable avons-nous fait cela? Je pense que c’est l’héritage de la Fonderie. C'est possible. »

Tim Sanford, directeur artistique de Playwrights Horizons, photographié dans son théâtre de la 42e rue à New York.

(Michael Nagle / For The Times)

Playwrights Horizons a été tout simplement le creuset le plus important pour l'écriture dramatique contemporaine en Amérique.

Sanford, 66 ans, travaille chez Playwrights Horizons depuis 1984. Il a commencé dans le département littéraire et est devenu directeur artistique en 1996. Un homme aimablement croustillant avec un demi-sourire ironique, il m'a introduit dans son bureau, une ruche sans prétention jonchée de scripts, de livres et de papiers.

Il était de bonne humeur, partageant avec joie la nouvelle de son récent mariage avec Aimée Hayes, la directrice artistique productrice du Southern Rep Theatre de la Nouvelle-Orléans. Cela, a-t-il dit, a joué un rôle dans sa réflexion sur l'avenir. Adam Greenfield, qui comme Sanford a débuté dans le bureau littéraire du théâtre, a été nommé son successeur et assumera le rôle en juillet. Sanford sera là pour la prochaine saison du 50e anniversaire de Playwrights Horizons, prenant le titre de directeur artistique sortant jusqu'en juin 2021.

Diriger un théâtre aussi vital que Playwrights Horizons ne laisse pas de temps pour autre chose. Sanford a une longue liste de projets souhaités. Il a pris sur son étagère une copie reliée de sa thèse de doctorat de Stanford, où il a étudié la littérature dramatique, et a partagé qu'il voulait traduire le manuscrit de «l'académicien en anglais».

Il veut également publier un volume de la des entrevues inestimables qu'il a réalisées au fil des ans avec l'illustre liste de dramaturges produits au théâtre. Et il aimerait revenir à la réalisation, une perspective qu'il connaît ne sera pas facile en tant que personne qui a embauché des réalisateurs pour travailler chez Playwrights Horizons.

“Dans cet environnement, nous ne prenons pas vraiment soin de nos aînés”, a-t-il déclaré. «Je songe à créer une compagnie de théâtre qui soutient le travail des artistes de plus de 60 ans.»

La disposition de Sanford à répondre aux lacunes du paysage théâtral a fait partie intégrante du succès de Playwrights Horizons. En réponse au livre «Outrageous Fortune: The Life and Times of the New American Play», Todd London, Ben Pesner et Zannie Giraud Voss, 2009, étude des difficultés économiques auxquelles sont confrontés nos dramaturges, Sanford a institué un programme qui fournissait une assurance maladie pour un année à tout écrivain avec une production à son théâtre.

Un autre changement qu'il a introduit a été de payer des dramaturges pour les auditions et les répétitions. «On s'attend à ce qu'ils soient là, mais ils ne reçoivent pas d'argent avant le début des redevances. C'était une somme d'argent gérable pour nous, et nous avons même reçu un article du New York Times à ce sujet. Ça faisait du bien. Mais je pense que nous avons commis une erreur en le faisant nous-mêmes plutôt qu'en organisant une réunion et en incitant tous les directeurs artistiques à l'adopter. En fin de compte, c'était égoïste de notre part, parce que vous cherchez toujours à vous distinguer, mais la motivation était d'honorer l'écrivain. »

Le dramaturge est toujours venu en premier à Playwrights Horizons, mais le théâtre a-t-il une sensibilité aujourd'hui? Certes, la vieille provocation (Gay Whites Horizons) ne retentit plus maintenant que la programmation est devenue plus inclusive. Sanford s'est tourné vers Proust pour expliquer sa philosophie artistique.

“Dans son magnifique dernier livre, lorsqu'il analyse le style, il écrit qu'il y a autant de styles originaux qu'il y a d'écrivains originaux”, a expliqué Sanford. “Notre travail en tant que producteurs et fabricants de théâtre est d'honorer ce qui est unique dans une pièce.”

Empruntant une distinction faite par le dramaturge Richard Nelson lorsqu'il était directeur du programme d'écriture dramatique du MAE de Yale, Sanford a dit qu'il était moins intéressant à réparer une pièce que pour le résoudre: «Personne ne regarde les jeux de problèmes de Shakespeare et ne dit comment résoudre ce problème. Il y a des scènes problématiques intéressantes, mais elles sont peut-être intentionnelles. Voyons comment ils sont censés se produire. “

Cela dit, il a précisé qu'il ne faisait pas de pièces qui ne pouvaient pas bénéficier des longues périodes de prévisualisation du théâtre. “L'hypothèse est que chaque pièce, que ce soit une première mondiale ou une première à New York, a encore du travail à faire.”

Combien une pièce peut-elle évoluer pendant la période de prévisualisation? Sanford a raconté une pièce de Craig Lucas dans laquelle l'auteur a eu une révélation selon laquelle un acteur a raconté plus tard: “Oh, c'était la semaine où mon personnage a complètement changé.”

Sanford a la conviction que Greenfield respectera les traditions, mais il est bien conscient que l'économie du théâtre institutionnel ne devient pas plus facile. “Nous savons tous que le modèle d'abonnement est en déclin”, a-t-il déclaré. “Je dirais que le rythme de la détérioration s'est accéléré au cours des deux ou trois dernières années.”

Oui, le terrain bouge même sous les théâtres qui semblent tout faire correctement.

“Les abonnés sont frappés qu'ils n'ont pas choisi de voir une pièce en particulier, contrairement aux acheteurs de billets uniques, qui l'ont recherchée et vont être plus engagés par elle. Je ne pense pas que ce soit vrai. Mais nous nous sommes concentrés sur les adhésions et les initiatives de fidélisation, et celle qui a le plus de succès est celle des 35 ans et moins. L'inscription est gratuite et ensuite, si vous voulez venir à une pièce, c'est 25 $. Si vous amenez un ami, c'est 35 $. C’est ce que nous devons faire pour nous assurer que les jeunes continuent de venir. »

La philosophie fondamentale de Sanford est que vous obtenez le public que vous méritez. “Si je veux un public aventureux, je dois leur donner des pièces d'aventure”, a-t-il déclaré. Il a souligné sa saison 1997-1998 comme un tournant. «J'ai vu que c'était un théâtre qui peut embrasser quelque chose d'aussi sauvage et satirique que les« Betty's Summer Vacation »de Christopher Durang et quelque chose aussi imprégné d'un réalisme délicat que« Goodnight Children Everywhere »de Nelson. Pour moi, c'est ce que le théâtre d'un écrivain signifie . »

Connaissant parfaitement l'écologie du théâtre de New York, Sanford a reconnu un appétit chaleureux pour le travail au centre-ville.

“Je suis toujours à la recherche de la pièce qui va permettre à l'écrivain de traverser 14th Street et d'arriver à Playwrights Horizons. Je voulais produire «Dance Nation» de Clare Barron, mais c'est énervé, donc ça a poussé mon public. Mais cela a également ouvert une porte. Parce que ces écrivains ne pourront pas faire carrière tant qu'ils n'obtiendront pas plus que les maigres redevances qu'ils pourraient gagner pour un spectacle au centre-ville. »

Autrefois considéré comme traînard dans le domaine de la diversité, Playwrights Horizons mène de plus en plus la charge.

«Quand on m'a demandé:« Pourquoi avez-vous un si bon bilan avec des femmes écrivains? »Ma réponse, plutôt que de poursuivre mes collègues, était que notre spécialité a toujours été les nouvelles pièces. Et les programmes de formation se sont améliorés pour garantir une représentation égale. Cela s'est également étendu aux écrivains de couleur, donc il y a moins d'excuses pour ne pas avoir de saisons différentes, car il y a plus d'écrivains parmi lesquels choisir. »

Comme Joseph, Sanford combine l'optimisme avec le réalisme, l'imagination avec le côté pratique. La passion pour la liberté artistique est lestée par le souci du bien-être économique des artistes. Quelle que soit l’émotion que l’avenir réserve au théâtre américain, c’est grâce à des chefs d’art comme ceux dont l’éthique a été aussi avant-gardiste que leur esthétique.



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